LA LIBERTAD DE JOSÉ LUIS CANO
José Luis Cano
LA LIBERTAD DE JOSÉ LUIS CANO
Ilustrador, dibujante, caricaturista, diseñador gráfico, pintor… ¿Con cuál de todas estas facetas disfrutas más? Cuéntanos cómo fueron tus comienzos.
Procuro disfrutar de todo lo que hago, por devoción u obligación, cuando toca hacerlo. Si no lo consigo, paro. Un ratico, un día, una semana, unos años… Lo que pueda.
Por otra parte, no sé si llego a disfrutar realmente con cualquiera de mis actividades, pues mi vagancia me empuja a trabajar como un ansioso para terminar lo antes posible… y poder volcarme rápidamente en otro asunto.
¿Mis comienzos? Estudié BB.AA. (por libre, mientras trabajaba con mi padre en disciplinas más o menos artísticas: interiorismo, rotulación, etc.), hice la mili, me llamaron de la Escuela de Artes para dar clases de dibujo, acepté por emanciparme de mi padre y ahí ya vi que mi vida no iba a ser como yo había imaginado.
Me presenté a varios concursos, gané algún premio, expuse con cierta regularidad, dibujé contra Franco en publicaciones más o menos clandestinas, me llamaron para formar parte del grupo Azuda 40, me llamó una amiga para que ilustrara un libro de texto que había escrito…Ahora es difícil de creer, pero en aquellos tiempos te llamaban hasta para ofrecerte trabajo de profesor en centros públicos o privados.
En la última entrada de tu blog De profesión incierta, titulada despedida y cierre dices que …la actualidad se ha vuelto tan horrible que soy incapaz de seguirla con humor. Me pongo malo…. ¿Te has cansado de escribir en el blog o realmente la actualidad es tan terrible que uno pierde la confianza en todo? ¿Es como una especie de rendición?
No sé si es una capitulación o una recapitulación.
En 1968 yo tenía veinte años y, al parecer, íbamos a cambiar el mundo. 50 años después, el mundo es una mierda. O eso me parece a mí.
Por otro lado, la Red está llena de tuiteros y demás peña haciendo humor en general y humor político en particular. Es muy difícil que tus ocurrencias no coincidan con las que han tenido ya, antes que tú, cuarenta o cincuenta personas. Y como diríamos aquí: ¿Pa’ qué tanto? Tengo la desagradable sensación de que nos hemos pasado con el jijiji-jajaja, que nos hemos apalancado en hacer risas y no se nos ocurre nada más para conseguir que algo cambie a mejor. A peor, cambian muchas cosas cada día. Los humoristas, además, en momentos así, somos capaces de convertirnos en predicadores. Y eso sí que no. Por otro lado, los blogs andan de capa caída y tenía dos opciones: pasarme a una red social para ganar audiencia, como me recomendaban las amistades, o callarme de una puñetera vez, como me pedía el cuerpo. La tentación del silencio tras más de treinta años opinando diariamente puede ser muy fuerte. Como dijo Lao Tsé: Lo normal es hablar poco. Y como dijo Pepe Hierro: Después de todo, todo ha sido nada.
Publicaste, durante mucho tiempo, una tira en el Heraldo de Aragón y también en otros periódicos. Cuéntanos cómo se organiza uno el trabajo cuando tiene que sacar una tira cada día y estar al tanto de lo que va sucediendo diariamente.
En todos esos años, cambió mucho el sistema de trabajo, pero siempre intenté olvidarme de la tira durante la
mañana para poder dedicarme a otras cosas. Al mediodía veía las noticias en la tele, me echaba la siesta y, con un poco de suerte, al salir del duermevela tenía casi todo el trabajo hecho. Sólo me faltaba pasarlo a tinta.
Después llegó internet y fue más difícil desconectar durante toda la mañana. Lo de la siesta siguió y sigue exactamente igual. Es genético.
Naturalmente, al principio dedicaba casi toda la tarde a las viñetas pero, con el tiempo, cogí bastante rapidez. Siempre he dicho que, para el cerebro, hacer una viñeta diaria es como juntar la gimnasia con la magnesia. Al final, las mejores viñetas son las que no te cuestan ningún trabajo, las que salen solas.
Como tantas otras cosas, si a eso vamos.
Este trabajo, ¿te obliga, de alguna forma a posicionarte sobre los acontecimientos? ¿Es posible quedarse al margen en tu trabajo?
Sí, claro que te posicionas. Y lo pagas.
¿Qué hechos o acontecimientos te han dado más juego, profesionalmente hablando?
No sé si se le puede llamar juego, pero la guerra de Irak cambió el estilo de mis viñetas de forma radical.
¿Hay alguna persona que haya estimulado especialmente la faceta crítica en tu trabajo?
Aznar, el guerrero antiveraz, claro.
En algunos de tus proyectos recurres a cuentos infantiles. ¿Qué te encuentras más: lobos o caperucitas?
Digamos que, de alguna forma, en mis viñetas yo era Caperucita y el retratado, el lobo.
¿Cuál ha sido tu trabajo más serio? ¿Y el más gamberro?
Son cosas que casi siempre han ido unidas. Me pasa, salvando las distancias, como a Wislava Szymborska. Dice que, en cuanto notaba que se empezaba a poner demasiado seria, estupenda o campanuda, oía una voz que le llamaba al orden y la inducía a no tomárselo todo tan a la tremenda.
Quizás mis pinturas de finales de los 70 eran muy serias y muy poco gamberras. Quizás porque el gamberrismo lo dejaba para los trabajos con el (CPZ) que en el fondo, también eran bastante serios. Pero mis intervenciones en los montes de Cuarte, de finales de los 80, eran tan serias como gamberras. Como el Eclesiastés Aragonés, que perpetré recientemente. Otro posicionamiento que sigo pagando caro, por cierto.
Otro caso: A principios de los 80, varios artistas jóvenes recibimos el encargo de decorar pequeños espacios en el Pilar. Un encargo serio. Yo intenté pintar el cupulín que me tocó en suerte y desarrollar el tema, María, causa de nuestra alegría, recurriendo a la iconografía del Zaratrusta nieztscheano, un libro bastante serio, según como se mire. Juntar el encargo serio con el libro serio, sin embargo, era bastante gamberro. Mi proyecto fue aprobado por unanimidad pero nunca llegó a realizarse. Ni el mío, ni el de ninguno de mis compañeros.
En mi doctorado redacté una tesis muy rigurosa sobre las posibilidades que tiene un pintor de 
encontrar trabajo tras la muerte del arte. No llegué a presentarla.
También fue serio y gamberro el acto de recibir un premio tan emotivo como el de Hijo predilecto de la Ciudad, con nariz de payaso y cantando el Agradecido, de Rosendo.
Lo último, de momento, un texto en honor a Emilio Gastón, que me encargó su viuda para que se rieran un poco los asistentes del funeral poético.
Alguna vez has dicho que lo que haces es, en buena parte, autobiográfico. Cuéntanos esto.
Yo era muy de comerme el coco con teorías y planteamientos estéticos antes de ponerme a trabajar. Con los años descubrí que todas mis elucubraciones nacían de mis esquizoides estados anímicos mucho más que de las tremebundas teorías estéticas que me zampaba como un tragaldabas. Vamos, que tengo la sensación de que en el resultado de mi trabajo, primaba más lo sentimental que lo conceptual. No sé si esto se debe a que soy un artista o a que no lo soy. No tengo ni idea.
También has comentado que al final, todas las facetas artísticas en las que has trabajado se entremezclan entre sí. ¿Qué aspecto de tus creaciones consideras que es común a todas ellas?
En todas las facetas de mi trabajo ha predominado casi siempre el tratamiento irónico.
Creo que, al principio, las diferencias entre unas cosas y otras eran más de tipo formal. En pintura tendía a ser gestual y oscuro, influenciado por los expresionismos e informalismos locales o internacionales; ilustrando era muy pop, influido por los excelentes ilustradores españoles de finales de los sesenta y principios de los setenta; en el humor gráfico, mis influencias iban de Chumy-Chúmez a Copi, pasando por Gila, Peridis y Eguillor.
En cada faceta de mi trabajo, intentaba ser fiel a los códigos más o menos establecidos del momento.
Hasta que renuncié a tener un estilo definido y me lancé en brazos del pastiche, lo que derribó las fronteras existentes entre mis distintas actividades y todo comenzó a confluir. A este respecto, algo he leído sobre el trabajo del artista como terapia para superar el esquizoidismo que lo provoca. Será eso.
¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?
Estoy ilustrando las conversaciones que mantuve con mi nieta desde que comenzó a hablar hasta los once años. Ahora que se ha hecho mayor, es una forma de hacer de abuelo en diferido, en forma de simulación en diferido… En… fin.
sociedad. Una de sus características, (salvo casos excepcionales) es que son financiadas por el pueblo, a través de las entidades administrativas.
Por tanto, en la actualidad, el arte urbano está pensado para servir a los intereses de la ciudadanía, y su utilidad se centra en señalar los beneficios aportados a la colectividad, ya sean universales o locales.
En este sentido participativo, tendríamos que señalar la obra, Fuente Crown de J. Plensa (2004) en Chicago.
Situada detrás de una fuente que representa las montañas del Pirineo. Parece una metáfora de la vergüenza que sienten sus ciudadanos.
responsabilidad circunscrita al arte contemporáneo en lo que respecta a la deconstrucción más tradicional de la iconografía feminista, anclada de manera permanente en el rol de sujeto paciente y sufriente, examinemos las confrontaciones que desde ópticas divergentes se dirigen a derrocar el discurso patriarcal y los paradigmas más androcéntricos y capitalistas con el objetivo de erradicar la tradicional representación de la imagen de la mujer. En este contexto que nos seduce explorar, podemos revisar actuaciones artísticas plurales utilizadas como eficaces herramientas para encausar la mala fe, negligencia e injusticia de los poderes fácticos, que sitúan las políticas de igualdad y de la no discriminación de género fuera de sus programas políticos perpetuando y consintiendo el horror que supone la violencia de género, que no solo sigue intimidando, atemorizando y degradando a la mujer, sino que traspasa todos los límites arrebatándoles el don más preciado del ser humano, la vida. Tendría que llegar el año 1993 para que las Naciones Unidas en su 85ª sesión plenaria ratificasen la Declaración sobre la eliminación de la violencia contra la mujer.
o por su significación, vamos a subrayar algunos trabajos de artistas mujeres para establecer un esbozo panorámico de la situación. Por el primer motivo y por su contenido comenzamos por la mítica obra “Performance Cut Piece” realizada en 1965 por Yoko Ono, en la que la artista sentada en una silla en actitud serena permanece impasible fijando su mirada en la audiencia mientras los espectadores van cortando su vestimenta dejando su cuerpo al desnudo, o los proyectos artísticos de la década del 2000 en los que artistas nacionales e internacionales se unen para preguntarse el cómo y el porqué de la violencia, citamos por su relevancia tres actuaciones: “Cárcel de Amor. Relatos culturales sobre la violencia de género” celebrada en el 2005, comisariada por Berta Sichel, “Contraviolencias. Prácticas artísticas contra la agresión a la mujer”, 
violencia que sufren miles de mujeres aisladas ante una lacra que va en aumento», es de rigor también incluir en estas líneas porque lo merece por derecho propio a una mujer, Francisca Martín-Cano Abreu, escritora-investigadora de género, escultora, y activista, autora de innumerables artículos y escritos de denuncia contra el maltrato sufrido por las mujeres y que además ha hecho escultura pública, reseñamos como un ejemplo de su quehacer artístico la pieza denominada “Monumento a la Paz”, ubicada en el Parque del mismo nombre en la ciudad de Zaragoza que data de 1988 y es la mayor obra en un solo bloque de piedra que se conoce en España, simboliza la Paz en su acepción más amplia.
la otra Monumento a la Concordia, también conocida con el nombre “Cabeza de Manifestación”, situada en la plaza de Carbayón en la misma ciudad, realizadas en 1996 y 1997 respectivamente.
“Víctima” como ganadora, por lo que dicha pieza estaba destinada a simbolizar el Memorial y honrar a las víctimas de la violencia machista. Con el afán de completar este tema repasamos algunas de las vertientes de la escultura pública con la finalidad primero de entender que la trama y la urdimbre en el arte mantienen lazos inalienables para el entendimiento del significado de la obra y la comprensión del mensaje que emite, por tanto cualquier llamada de atención que la supedite a otros elementos o significados puede perturbar su esencia. Su función se explaya generalmente en visionar la cultura contemporánea, suele enaltecer o rendir homenaje a un personaje, colectivo, o concepto y debe de ahondar en lo simbólico, alegórico y fundamental, en cuanto a sus aspectos técnicos deben de resaltar la artisticidad por lo que su ubicación y perspectiva de conjunto debe de ser la más idónea para poder ser contemplada.
cualquier otra forma les resulta ingrata. Entiendo perfectamente el gusto por la decoración clásica de los libros. Una encuadernación en piel adornada con unos bonitos papeles jaspeados y rotulada con oro puede ser enormemente delicada y hermosa. Pero igual que el arte evoluciona, también lo hacen la encuadernación y el resto de las artes decorativas. La misión de un encuadernador es adaptarse a su tiempo. Es algo que en países como Francia, Inglaterra, Alemania o Bélgica, donde existe un buen número de coleccionistas de encuadernaciones artísticas, no ocurre tanto. No obstante, aquí tenemos también algunas honrosas excepciones, como la de Summa Editorial y su extraordinaria página web Unika Books, o el blog de nuestro historiador de la encuadernación, José Luis Checa Cremades, que ningún aficionado al arte del libro debería perderse para comprender mejor nuestro trabajo.
