JULIA MARGARET CAMERON
Gloria García
JULIA MARGARET CAMERON
Una puesta en escena emocional
Añoraba atrapar toda la belleza que me pasara por delante y, a la larga, creo haber satisfecho tal anhelo.
Susan Sontag en su libro Sobre la fotografía escogía estos pensamientos de Julia Margaret Cameron para iniciar su breve antología de citas.
En este artículo queremos hablar de los primeros tiempos gloriosos de la fotografía con una pionera en el “arte fotográfico”. Queremos recordar a Julia Margaret Cameron.
A través de la estética y el rigor de esta fotógrafa inglesa y por medio del género del retrato, descubrimos un mundo de imágenes pictóricas que pretenden estar bien alejadas de la meta de los pintores de la segunda mitad del siglo XIX. El lenguaje secreto y misterioso de J.M.Cameron viajaría en la dirección de una belleza y poesía particular que hablaría también de su fortaleza.
J.M.Cameron nacida en Calcuta en 1815 se dedicó a la fotografía por pura afición cuando vivía en Inglaterra, en la isla de Wight, y a la edad de cuarenta y ocho años cuando su hija le regala su primera cámara. Una mañana de Navidad llegaría un paquete envuelto en seda con una nota que diría “Quizá te divierta, madre. Intenta hacer fotografías durante tu soledad en Freshwater” Desde este instante, Cameron supo que su vida había cambiado. La pasión que junto a su marido sentía por el arte y este invento que iba más allá de lo meramente tecnológico o mecánico, había despertado una obsesión.
Durante los comienzos de la fotografía el hecho industrial del fenómeno hizo que fuera en detrimento el concepto del arte. La mayoría de los fotógrafos retratistas de alrededor de los años 60 tuvieron que lidiar con la práctica comercial y financiera que les permitiría desarrollar la otra visión artística.
La fotógrafa J.M.Cameron sería un ilustre ejemplo del uso de la fotografía como medio de expresión artística libre de todo peso económico y gozando de libertad absoluta, desconocida hasta entonces, de su técnica. Mientras la tónica general del retrato era marcada por la clientela con el uso de contornos precisos y claros, Cameron podía descubrir otros mundos empleando un enfoque aproximado y contrastes lumínicos a menudo muy marcados. Era ese efecto “flou” tan peculiar. En su afán por sacar retratos, como narra en su autobiografía The Annals of my Glass House, reconocemos como modelos a celebridades que admiraba, como es el caso de Charles Darwin, Julia Jackon (madre de Virginia Wolf) o John Frederick William Herschel, aunque en la mayoría de las ocasiones eran familiares y amigos. Se dice que perseguía a sus vecinos, criados, nietos y a cualquiera de sus seis hijos para que posaran y que luego les regalaba chales y baratijas traídas en sus baúles desde la India.
No dudó en ningún momento en generar controversias con sus retratos y así fue defendido en las numerosas exposiciones internacionales de la época (Londres 1864, Edimburgo y Dublin 1865, París 1967, Viena 1872…) donde mostró su técnica.
Los miembros de la London Photographie Society no la admitieron entre ellos por sus defectos técnicos, debido a que realizaba fotografías con material deficiente, con un objetivo que no cubría totalmente el formato de las placas húmedas que empleaba de 20 x 25 y de 30 x 38 cm. Sus placas estaban a veces descuidadas por estar manchadas o arañadas aunque esto no les hacía perder valor artístico.
Distintas ramas nos llevan a formar el mismo árbol. Una, la necesidad de la unión con el mundo literario, que le llevaría a trasladarse con su familia a la isla de Wight para vivir cerca del poeta Alfred Tennyson. Otra, sus amplios conocimientos acerca del teatro que le facilitarían la creación de esos ambientes etéreos y esa profunda tragedia poética en sus retratados. Y la última, la influencia del pintor victoriano George Frederick Watts, que nos ofrece ese atractivo, un tanto kitsch, de algunas de sus composiciones alegóricas y que dan sentido a sus personajes.
J.M.Cameron murió donde había decidido retirarse, en Ceylan (Sri Lanka) en 1879. Su legado fotográfico nos introduce en la corriente pictorialista, y su mundo de celebridades graciosamente no le desveló que su sobrina nieta sería Virginia Woolf.
La Fundación Mapfre recogió una retrospectiva en mayo del 2016 en torno a la poética fotográfica de Julia Margaret Cameron organizada por el Victoria and Albert Museum. Este museo posee una importante, exquisita y extensa colección de la obra y método de trabajo de esta fotógrafa.
pensamiento y derechos humanos se ha visibilizado poco en los medios de comunicación de masas. Es posible que el debate explícito sobre los derechos de la mujer, en estos últimos tiempos, se esté abriendo a todos los agentes sociales y áreas disciplinares. Las redes sociales y movimientos como #MeToo, contribuyen a que cuestiones relacionadas con la restricción de derechos salgan a la superficie; sin embargo, sigue habiendo aspectos relativos al cuerpo de las mujeres, su emancipación con respecto al control social, el derecho a decidir en asuntos relacionados con el acceso a servicios de aborto legal y seguro, que no interesa abordar, ya que tiene importantes costes sociales y políticos.
mujeres que se enfrentan a una necesidad que les está vetada. En este trabajo lo inconsciente óptico no son las imágenes a todo color e hiperrealistas de hechos a los que evidentemente no tenemos acceso, a pesar de que no dejan de ocurrir cada día (más de 47.000 mujeres mueren al año víctimas de abortos ilegales en el mundo); por el contrario, lo que se nos da a ver es un horror que hay que imaginar, donde las imágenes son soporte de un contenido connotado (3) . Las imágenes están ahí para acompañarnos a reflexionar y reconstruir el verdadero drama. Hannah Arendt describía la imaginación como “la facultad de hacer presente aquello que está ausente, la facultad de la representación” (4) ; es así cómo la imagen no fotografiada por la artista se recompone como imagen mental y única en cada espectador y que está en relación con los contenidos no explícitos o connotados de las imágenes.
veces está oculto en estratos en los que hay que sumergirse y decodificar para comprender los significados connotados.
interrupción del embarazo; hay imágenes de ranas (utilizadas como precario test de embarazo) o de una imagen ortodoxa de Jesús llorando por un niño abortado; se enfrentan anuncios de prensa sobre clínicas o médicos que practican abortos; … Podría parecer que estamos frente a imágenes de un pasado lejano, por eso el choque es mayúsculo cuando al leer las cartelas de los anuncios, se comprueba que las clínicas, que se publicitan en prensa a color y con mensajes eufemísticos, ocultan servicios abortivos ofertados en Perú en 2015. Pero esta ambigüedad continúa cuando las fotografías en blanco y negro, técnica que siempre se relaciona con el pasado, se acompañan de testimonios de mujeres recopilados entre 2011 y 2014 en los que cuentan sus historias recientes.
Esta exposición es una concatenación de imágenes propias y apropiadas de archivos, textos, objetos y recursos audiovisuales, que actúan de pantalla para la narración de la misoginia.
encuentra en un eje intermedio entre lo que somos capaces de ver y lo que está representado, de tal manera que el retratado se vuelve más imagen, pierde corporeidad, es menos sujeto porque se le niegan sus coordenadas de percepción con lo que el drama se magnifica, no sólo porque se disuelve sino porque al mimetizarlo con el medio ese sujeto es cualquiera y es todos, la comunidad, es el sistema que incapacita al individuo a ser él mismo. Por otro lado, al pasar a negativo a las mujeres procesadas, se materializa la criminalización social, se las marca y estigmatiza, algo que es una realidad que se sufre en tantos países donde todavía son violentamente perseguidas.
En esta séptima edición celebrada entre el 15 y 18 de Noviembre una apretada y variada agenda, nos paseaba por la feria de la mano de talleres, conferencias, demostraciones en directo, visitas guiadas y música para la noche del sábado y otros momentos, siempre bajo el soporte y estructura de más de cincuenta galerías y centros de arte.
